橡木林中的雨

《橡木林中的雨》现存于莫斯科特列恰科夫美术博物馆。

橡树林中的蒙蒙细雨，潮湿的空气感，使人们仿佛身临其境。希施金高超的描绘技巧，加上萨维茨基画在林中远处几个打着雨伞的男女身影，加强了画面的艺术感染力。

在遥远的北方

希施金以冷峻的色调，描绘了遥远北方山崖上的雪松，它巍然挺立，雄傲苍穹，高大威严，迎着银色月光。雪松是画家着力描绘的形象，并赋予它一种精神。事实上，希施金的风景画一直蕴含着诗一般的意境，《在遥远的北方》便是以月光的光影特点，构图的简洁、整齐、宏伟，来突出其诗的意境。这是俄罗斯风景画史上的不朽名作。

这幅画是希施金为莱蒙托夫诗集中《在荒野的北国》一诗所作的插图。在遥远的北国，冰雪覆盖着大地，夜幕笼罩下，显得更加幽深辽阔。雪岩上，银装素裹着一棵亭亭玉立的小松树，仿佛一位冷艳的美女，傲然挺立。皓月的银辉洒落在她身上，分外地显得冰清玉洁，晶莹剔透。整个画面充满了浓郁的诗意。

松树林之晨

这是一幅生气盎然的风景画。晨光为松树林涂上一层金辉，松林里荡漾着清新的生气。松树林苏醒了，几只黑熊在嬉闹玩耍，为宁静的松树林增添了生息。高大的松树林，分出近景、中景、远景，层次的丰富加强了空间感，展示出一派生机勃勃的景象。俄国风景画大师希施金从生活出发，以写生为基础，为作品灌注了现实情感。据说画中可爱、亲和的大小黑熊是萨维茨基所画。

林中雨滴

这是名画中最美的一幅风景画，作为正一艺术推出世界名画欣赏500幅的压轴之作。画家描绘了橡木林中微雨的情景，地下汪着泥泞，泥水中还有倒影，空气中飘着蒙蒙的雨意，若隐若现，令远景显得模糊、空蒙、远淡、飘逸，增加了空间感，使画面一下通透起来。那条泥路弯弯曲曲通向远方，朋友萨维茨基照例又在画面上给添加了几个人，一对夫妻打着伞，前面还有一位猎人扛着枪。行进的路和行进的人把观众的视线引向画面的深不可测之处，让人不知雨雾深深深几许？

橡树林

希施金的《橡树林》作于1887年，这是一幅表现在阳光照耀下的橡树林，充满了活力的橡树在阳光下伸展着茂密的枝叶。它的枝干高大，树身上长满了青苔，浓密的绿叶愈见深广和雄伟，而地面上的花草、平静的水池更加显出橡树林的深远和厚密。这一切都十分准确地表现了俄罗斯大自然的风貌。

透纳认为，大自然对人的命运施加一种无法逃避的影响。只有从这个角度看这幅画，才能理解它的全部含义。它解释了透纳为何如此渴望接触自然现象，也构成了他描绘这些自然现象的风格基础。他深深迷上了海洋，因为他希望参与周围的世界，他把大海看作是那些可怕的、永恒的自然力量中的一个，它那狂暴难驯的破坏力，能够摧毁人的生命，但它同时也是生命的泉源与包容死亡的归宿。

因此，透纳对乔治·曼比的发明感兴趣就不足为奇。曼比为了帮助遇难水手，发明了一种大炮，可把钢缆从很远处射到即将沉没的船上。透纳原来在他的大幅海景画中，都没有忘记画上这种大炮。这是他对技术创新颇感兴趣的印证。在透纳的作品中，《海难》是第一幅制成版画的。1807年，透纳在皇家学院的同窗查斯·透纳（与画家并无亲戚关系）提议出版他的一幅作品。当时，版画商通知可能的买丰．由于这县向公众推出的第一幅威廉·透纳的版画，所以质量会很高，也只印五十幅。版画商还请那些希望买到这幅版画的人从速预订，因为交货得按照预订次序进行。两位透纳都很清楚，版画在商业上将取得巨大成功（事实也确实如此）。在透纳的生活中，这件事无疑起了重要的作用。

这幅画通过人物、船只和波浪的表现手法以及颜色的处理而实现了整体结构的和谐。在阴霾四起而潜藏无限危难的天空和漆黑而诡谲多变的大海的衬托下，中、前景是白绿色调的汹涌翻滚的巨浪。大海像一个巨大的涡流，正在逐渐把无助的小船吞噬。人与自然之间强弱对此十分悬殊的对抗，在此画中显露无遗。但画家却又不甘如此，或者应该说是人都是不甘如此的，在生命遭到侵袭伤害之时，总是倾力对抗，即使明知没有用，也还在尽最后的一分气力，存一点最后的希望，等待一点奇迹。或许这就是人创造生命与文明前进的最大动力吧！

《弗拉基米尔卡》现存于特列恰科夫美术博物馆。

有一次列维坦带着学生在西伯利亚写生，发现有一条被废弃的道路，还残存着路标，他问一 位学生这是什么路，学生告诉他这是一条通往西伯利亚流放地的古道。列维坦站在路上，脑海中即刻浮现出一队队被沙皇士兵押送的流放者，听到革命者低沉的呼号和叮当的镣铐声， 他陷入深深的思绪之中。

他收集了大量素材，创作了这幅《弗拉基米尔卡》——流放者之 路。画上，压得很低的视平线使画面显得辽阔深远，远方被阴云所笼罩，遗弃的路标，荒凉的原野、墓碑，增加了悲凉气氛，它形象地告诉人们这是一条布满苦难、鲜血和眼泪的道路。画家在这极单纯的艺术形象中，对苦难的俄罗斯革命者寄予了无限的同情。

一看到《米德哈斯尼斯的小道》这幅作品，立刻就让我回想起法国小镇圣艾米利翁的微风，细雨，空气……一切都是那么的似曾相识。由于这幅画成功地表现了焦点透视的技法，所以在美术技法教学上一直被用来作为古典的示范作品。荷兰绘画题材的多样性，象一面镜子反映着荷兰社会生活的丰富性，在风景画方面，霍贝玛给我们展示了荷兰农村大自然的丰富多彩。

霍贝玛是田园风景画派的画家，但终身都在描绘荷兰农村的景色，这幅画是他的重要作品之一。画中描绘的是一条极为普通的泥泞村路，上面印着许多深浅不同的车辙，两旁排列着细而高的树木，彼此错落有致，既对称，又富有变化。小河和村庄屋舍安然而静谧，还有在岔道路边上交谈着的妇女，远处的行人以及劳作的农夫，这一切都描绘得十分生动，增添了画面的生活。情趣。画家把地平线画得很低，以便更多地去描绘云蒸霞蔚的美丽天空。整幅画面展现了一种乡野景色的透视美。由于这幅画成功地运用了焦点透视的技法，所以在美术技法的教学上一直被用来作为古典的示范作品。

《橡木林中的雨》现存于莫斯科特列恰科夫美术博物馆。

橡树林中的蒙蒙细雨，潮湿的空气感，使人们仿佛身临其境。希施金高超的描绘技巧，加上萨维茨基画在林中远处几个打着雨伞的男女身影，加强了画面的艺术感染力。

画作《热带植物》是画家高更创作于1887年的一幅油画。现由苏格兰国家美术馆收藏。

画家高更以装饰性的色彩，描绘了热带植物与热带风光，造成一个既靠色彩、也靠结构的物质空间。色彩的装饰性与近于平面的处理，显得有几分神秘化。这种简化了的手法，强化了气氛，表现了异域情调，使浓郁的自然景物充满着主观的装饰味道。

画面上出现了大量写实的中国元素，比如儿童发型、鸟笼、中国红伞等等，画中的人物装束很像是戏装，与当时的清朝装束还离得比较远，但中国特色还是很明显。布歇与中国有缘，除了这幅画外，还绘制了《中国皇帝上朝》、《中国捕鱼风光》、《中国花园》和《中国集市》等油画。布歇从来没有来过中国，更没有看到过故宫，估计这几幅作品的灵感来自中国瓷器上的绘画再加上布歇的想象。布歇的作品中所表现的中国人，除了面孔像是中国的，其余的地方，都像法国人，准确地说，像法国贵族。

布歇（Buxie，F·Boucher，1703—1770）罗可可绘画的代表者，十八世纪法国深得当时统治者赏识的画家，32岁就当选为皇家美术学院院士，以后又荣获法国皇帝路易十五首席画师的称号。晚年升为皇家美术学院院长。布歇的这种社会地位和他所处的上层社会，决定了他的艺术主要是迎合当时上流社会的需要。《浴后的狄安娜》就是这一类作品的代表。它假借罗马神话中狩猎女神狄安娜的名义，描绘了上层社会所喜欢的裸女。

画作《春》是画家米勒创作于1868年至1873年间的一幅油画。现存于法国巴黎奥塞美术馆。

这幅油画是一幅纯粹的风景画，是画家米勒在巴比松的工作室里完成的。这幅油画以粉紫、嫩绿、浅棕等明亮色调为主，雷雨进入尾声的深紫色天光为辅，诗情画意，美不胜收。此画承袭了北方风景画派的传统，讲究无微不至的观察，还有似乎在右方树下避雨的微小人物，在乌云密布的天空下，不可驾驭的大自然反映出人类的渺小无助。

但这幅画也受到了新绘画的影响，追求迅速直接的感觉及印象，对于明亮度的要求也越来越高。

1886年，画家列维坦生平第一次去南方游览克里米亚。并画了《克里米亚海岸》。

他开始更大胆地使用颜色，因而着色就显得更为流畅。他已具备了真正艺术大师所特有的使用线条的基本特征——即对绘画材料持奔放、粗犷的态度。这种特点是一切力求体现自己的思想与形象的画家所必备的。一个作家必须对词汇和自己观察所积累起来的知识、印象持大胆运用的态度。一个雕塑家要有胆量使用粘土和大理石。而一个画家则要毫无畏惧地运用颜色和线条。

南方土地上那辽阔无垠的明净天空使颜色显得特别清晰而鲜明。列维坦极其明显地感觉到，只有太阳才能改变颜色的色调，写生画最大的力量就在于阳光。俄罗斯灰暗的自然景色之所以美，也正是因为有那样的阳光，只不过是在它透过潮湿的空气层和薄薄的云幕之后变得微弱而已。

列维坦觉得，在克里米亚度过的所有时间仿佛是连续不断的黎明，一夜之间就澄清了的空气弥漫在山谷间巨大的水库上空，有如清水一般纯净。在很远的地方就能看见从树叶上往下洒落的露珠，即使在数十里以外也会照见闪着白光的浪花不断池涌向多石的海岸。

太阳和黑色是互不相容的东西。黑色，这不是颜料，而是颜料的尸体。在克里来亚一行之后，列维坦意识到了达一点。他决定从自己的画面上除去阴暗的色调。诚然，这对他来说，并不总是如愿以偿的。

就这样，列维坦开始为画面上的明亮度而进行斗争，这一斗争持续了多年。

希施金的《橡树林》作于1887年，这是一幅表现在阳光照耀下的橡树林，充满了活力的橡树在阳光下伸展着茂密的枝叶。它的枝干高大，树身上长满了青苔，浓密的绿叶愈见深广和雄伟，而地面上的花草、平静的水池更加显出橡树林的深远和厚密。这一切都十分准确地表现了俄罗斯大自然的风貌。

希施金其他代表作：《林中雨滴》；《松树林之晨》；《在遥远的北方》

画作《沙滩上的渔船》是画家梵高创作于1888年6月底的一幅油画。现存阿姆斯特丹的梵高美术馆。

在这幅油画中，我们不难发现画家梵高对色彩的大胆驾御，颜色跳跃性极强。油画给人在视觉上的冲击比不过在精神上的冲击大。画中的氛围会自然而然的把人推入到一种孤身落寞的感觉，使人有种空灵感。

契诃夫在《草原》中曾有这样的一段话：“当久久地目不转睛地看着深邃的苍穹，不知何故思想和心灵就感到孤独，开始感到自己是绝望的孤独，一切认为过去是亲近的，现在却变得无穷的遥远和没有价值。天上的星星，几千年来注视着人间；无边无际的苍穹与烟云，淡漠地对待人的短促的生命；当你单独和它们相对而视并努力去思索它们的意义时，它们就会以沉默重压你的心灵；在坟墓中等待着我们每一个人的孤独之感便来到了心头。生命的实质似乎是绝望与惊骇。”

这种深沉的哀愁恰好可以诠释列维坦画中的意境。

列维坦越接近后期，其思绪就更多地停滞在了秋色上。只有在《三月》这幅油画中才表现了真正的春意：初融的雪堆上空天色暗朗，金黄色的阳光灿烂辉煌，从木板房的台阶上点点滴落的初融的雪水，如玻璃珠似的闪闪发光。

列维坦的油画《晚钟》描绘的便是黄昏降临的郊外景色。画面中央是一条宁静的小河，对岸是一片茂密的树林，树丛中远远地可见一座带蓝色圆顶的教堂，旁边是修道院的钟楼，红白相间，尖塔顶上还有一个金色的小圆顶，河面上隐约可见教堂、钟楼的倒影。很像莫斯科郊外谢尔吉镇看的风景。河的一边靠着两条小船，透出一股萧索味儿，有一种“野渡无人舟自横”的意境。

画作《花园里的玛格丽特·切加特》是画家梵高创作于1890年6月的一幅油画。现存于巴黎的奥赛美术馆。

油画中的女子是加歇医生的女儿玛格丽特·切加特。画家梵高把景色的美与女孩的美描绘在一起，表达出梵高内心对美的追求。并且，梵高运用色彩关系，使效果好到极点，超越了现实美。

作品藏于荷兰海牙莫瑞修斯博物馆。

独立后的荷兰由于新兴的资产阶级掌权，实行新型政体，世袭贵族和教会僧侣在这里没有地位，因此，宗教、神话主题的艺术在这里也没有市场。可是，适合于市民及中产阶级口味的风俗画、风景画、静物画、肖像画却相当兴盛。也许正是由于荷兰的画家太热衷于描绘普普通通的日常生活和自然景物，而且其画幅尺寸又都不是很大，在美术史中往往被贬称为“小荷兰画派”（不包括哈尔斯和伦勃朗）。然而，这被贬称的“小荷兰画派”不仅在题材上大大突破了传统表现内容的局限；而且从形式上也大大突破了佛罗伦萨画派理念先行及威尼斯画派只注重色彩灵感和色彩想象的主观性创作的一统天下的局面，以异常开阔的视野放眼于自然界和社会生活本身，使现实世界以无比丰富和真切的面貌更充分地展示在人们面前。“小荷画派”杰出的画家维米尔的《德尔夫城景色》就是一幅前所未有的真切感人的风景画： 棉团一般的积云慢慢地在天空中浮动，时而挡住了阳光，时而又露出了阳光，使水面、陆岸及疏疏密密的古老建筑忽明忽暗变化不定；暗红、紫绿的树团儿和亮黄的屋顶交错在一起，给人留下瞬间即逝的迹象……这是在大自然中具体存在的感觉，是一种来自对客观现实的认识、感受的全新的表现方式和创作方式；这种“方式”在维米尔的风俗画，如《倒牛奶的女仆》、《读信的蓝衣女》等作品中也有明显的表现，他最喜欢用的兰色、黄色和银灰色就是他对自然天光观察体验及对美妙色彩变化规律的认识和概括的结晶。然而，遗憾的是，“小荷兰画派”的创作经验在当时的欧洲画坛并没有引起足够的重视，它一直被认为是不可能与“伟大的”历史画相比附的低级画种，在西方美术史中竟然被埋没达两个世纪之久。直到19世纪后半叶，“小荷兰画派”及维米尔的艺术价值才渐渐地被人们认识到。

《死亡之岛》是画家勃克林最著名的共五幅《死岛》系列作品之一，是受埋葬他小女儿的佛罗伦萨英国人公墓的气氛所影响绘制的。他的作品充满神秘、幻想的氛围，但有古典的建筑充斥其中，表现死亡和神秘、忧郁的场景。

这是勃克林最受争议也最精彩的作品。勃克林十分钟爱这一题材，同题材的作品至少有5幅。在这幅作品中象征主义得以充分表达。勃克林从大自然中精心挑选物象加以组合，创造出奇特的氛围。死之岛峭壁林立，阴森可怖，只有一船可达，白衣的死神静立于船首，把新鬼渡往不归之地。引发观者对死亡的思考。值得一提的是，这幅画的名字是勃克林的赞助人起的。

在油画《雨，蒸汽和速度》中，一列火车迎着风雨风驰电掣般飞驶而来，在这雨雾朦胧的世界里依稀看得见城市、道路和桥梁。画家在这儿着力表现了雨中飞驰的火车那磅礴的气势，自然力和蒸汽机车那巨大的威力。画中几乎看不到什么明确的轮廓或线条，只有豪放写意的用笔和迷蒙的色彩。这大概是描绘现代文明的第一幅作品。

油画《雨，蒸汽和速度》的主题创作地点较好辨认，很明显是梅登黑德铁路桥，该桥横跨泰晤士河位于塔普罗和梅登黑德之间。梅登黑德大桥于1837年布鲁内尔设计，并于1839年建成，有两个巨大砖拱而非常宽大和平坦的铁路桥。油画《雨，蒸汽和速度》描绘是火车正驶往东边的伦敦。

这幅油画《雨、蒸汽和速度》绝妙地合成了透纳对古典风景画的忠诚和对现代世界的赞同。实际上，这幅画是要表现大自然和两大技术发明（铁路和高架桥）之间的强烈对比。铁路和高架桥这两个人造的力量使自然景色大大改观，透纳看到并描绘了它们所有震撼人心的效果。可以看出，这幅画的场景是1837年至1839年在梅登黑德附近泰晤士河上建造的铁路桥。除了表示他对铁路和高架桥的赞同外，透纳还增加了更多重要的细节。火车头前方有一只小野兔在奔跑，既象征着速度，又对机器和动物的速度的对比做出了讥讽性的评论。左面有几位年轻妇女在跳舞；右面远处的田中有一张犁，这些都唤起了人们对往昔生活方式的回忆。

在透纳所有的作品中，这幅画最能够表现出透纳头脑的创造性。1844年，这幅画在皇家美术馆展出，向每一个观众提出了用自己的亲身经历与其加以比较的挑战。正如《弗雷泽杂志》的评论所说：“透纳的这幅画是用真实的雨画成的，在它后面是真实的太阳，我们有一种好像彩虹随时都会出现的感觉。同时，一列火车真像是在以每小时五十英哩的速度，向我们冲来，眼看它就要把我们压在轮子下面。大家最好是在它跃出画面之前赶快去观看。”其实，在一次与此非常相像的暴风雨中，透纳确实坐在这列火车上。

画作《蒙托尔热街》是画家莫奈创作于1878年的一幅油画。现存于法国巴黎奥赛美术馆。

这幅油画主要表现的是1878年6月30日这天巴黎全城热闹景象，人们在街上欢呼、庆祝，不断举行各式各样的庆祝活动。在阳光照耀下的蒙托尔大街，随处可见高高飘扬的红蓝白三色旗。随意洒脱的笔触表现，使画面显得不那么死板。

画面上的上半部分是开阔的天空，与下面密密麻麻的民众形成鲜明的对比；画面疏密有致，体现出张弛有力的节奏感，而画家那登峰造极的笔触在这里更是发挥的淋漓尽致，将绚丽的色彩分解而又重新组合，阳光下的光线变化表现的更为细致。

提香所画的肖像油画《查理五世骑马像》是对穆尔堡（Muhlberg）战役的纪念。1547年4月24日，神圣罗马帝国皇帝查理五世( Charles V，1500–1558)在此处获得胜利，击败了萨克森( Saxony)的选帝侯（德国有权选举神圣罗马帝国皇帝的诸侯）约翰，弗里德里希( Johann Friedrich)领导的新政集团。

在提香接受了肖像画《查理五世骑马像》的委托之后，他的朋友皮耶罗·阿雷蒂诺( Pietro Aretino)对如何处理这幅画提出了一些建议，希望他能画上一些标志宗教信仰及荣誉感的事物，如十字架、圣餐杯、徽章或军号，这些都是当时政治题材绘画中常出现的事物。但提香并未采纳这一建议，而是以一种记实的态度处理了画面。查理五世的全套铠甲、披挂，那匹雄俊的战马及华丽自钠虽辔都是如实描绘的。

油画《查理五世骑马像》不仅仅表现了一个人的形象，通过它，提香为后世巴洛克风格的骑马像树辜了一个基本范式：宏伟的构图、历史隐喻性和政治意义。纪功碑式的形象塑造，深入的性格刻画，使得这幅画在同时代及后世同类题材的作品中显得格外引人注目。马鞍上的查理五世，身形挺拔，神情倨傲、冷峻，他跨下的骏马则奋身顿蹄、跃跃欲试。画面背景上的风光没有任何关于这场战事的蛛丝马迹，到处是一片平静、安谧，这样的环境把全副戎装的查理五世衬托得更加醒目，他身后郁茂的丛林在视觉上又增强了他的力感，远方天际丝丝缕缕的霞光及天顶的几抹乌云对主人公的性格刻画起到了辅助作用，-一个泰然自若、处变不惊的形象活现在我们眼前。整个画面给人的是一种平静感，激动人心的地方主要是靠色彩来表现的，几大块互相呼应的绛红色，马身上浓重的黑色给人一种酣畅、沉着之美，盔甲、马具上金色、白色的反光使整个形象熠熠生辉。

画作《海上渔夫》是画家透纳创作于1796年的一幅油画。该油画作品现收藏于英国泰特美术馆。

油画中渔船所在的位置是怀特岛，这是英国南部海岸线外护卫朴茨茅斯市的一个大岛。画家透纳于1795年走访过该岛，画了大量关于海岸的速写和水彩画并收录于《怀特岛速写集》，不过却没有哪幅速写能和这幅画完全对应。直到最近，人们一直以为，画面左侧的一系列白垩岩石就是此岛西端著名的尼德尔斯礁石群。

油画《马利港的洪水》是印象派画家西斯莱最具代表性的作品，这件油画本来应该表现的是马利港泛滥的洪水灾害，但画家西斯莱却把这个被叫做马利港的港口描绘的如威尼斯般的优美。另外，这件作品无论在构图还是手法上，都非常接近精细的古典主义写实性，我们从画面可以看出，那些严谨的笔触表现出水的反光和布满天空的乌云。画面明朗而透彻，清晰而细腻，据说当时展出时，《马利港的洪水》受到了较多观众的好评和认可。尤其是毕沙罗观看之后赞美道：“在所有表现洪水泛滥的作品中，这幅画是最优美的。”

在《马利港的洪水》这幅作品中，西斯莱并没有去刻意描绘泛滥的洪水，没有去描绘洪水泛滥时那惊心动魄的场面，也没有去表现无情的天灾，而是将笔锋一转，把洪水泛滥之后的场面作为一个美丽的风景展现给我们。因此在我们的眼前是一幅壮阔的风景，尽管乌云压顶，似乎暴风雨即将来临，但我们依然被画面打动；依然被作品所感染;；我们依然感受到泛滥的水背后蕴藏着诗意，它犹如一首交响乐章，缓缓展开，并且.，慢慢向我们逼来……

画作《埃克河边的磨坊》是画家雷斯达尔创作于1670年的一幅油画。现藏于阿姆斯特

这一幅表现乡村磨坊的风景画，是具有时代的典型意义的。它是对大自然的歌颂，也是对荷兰面粉工业发展的赞美：在一条碧波荡漾的河湾旁，高大的磨坊风车像一座钟楼耸立在云彩翻滚的天际，形象巍然。阳光透过云层，照耀着远处的教堂尖顶，色彩斑斓闪烁。左侧可见到停泊着的船只，右边中景上有几位农村妇女在小径上漫步而行。画家描绘的是典型的荷兰农村景色，风草萋萋，树影婆娑，水光云霓，抒发出一种安谧宁静的诗情画意。

在波涛汹涌的海面上航行的汽船、弥漫在海面上的暴风和大雾，在天空中形成一个漩涡……狂澜的暴风雪宛如要把船毁掉一般。这幅像是要将观赏者卷入的绘画，就是透纳冒着生命危险所完成的名作《暴风雪》

透纳将自己绑在船桅上，经过四小时的观察，终于画出这幅作品。尽管如此，当一八四二年，《暴风雪》在英国绘画权威——皇家艺廊学院展出时，评论家还是将这幅画称为[肥皂泡沫和白灰水]，嘲笑透纳是[老糊涂]。透纳的《暴风雪》乍看之下似乎是抽象画的作品，明白的影射了后来的印象派，甚至一九五零至六零年代的抽象表现主义。

在《暴风雪》这幅画里，虽然描画的是在漩涡风暴中航行的船，但是所呈现的却是船只与风暴融为一体的画面。由于画家透纳大胆地以抽象手法表现船的形式，所以他可以自由运用色彩，成功的表现出[风暴的气氛]。透纳一生共有三十次的旅行经验；在旅程中，他学习到如何在各种天候条件下描绘真实的风景。之后，透纳逐渐将自己专一到光和雾、风和云以及雨等自然现象的描绘上，因此透纳被称为印象派的先驱；透纳为了迅速记住光的变化，而积极的在户外从事绘画创作。透纳对歌德的[色彩论]十分着迷，他致力于探索[光]和[色彩]的关系，并建立出自己一套独特的理论；透纳在广泛的了解了各个不同的现象后，便创作出《暴风雪》这幅揭开英国近代绘画序幕的重要作品。

法国小说家马塞尔·普鲁斯特很喜欢透纳，在他的《追忆逝水年华》一书中，埃尔斯泰（一个与透纳风格相似的画家）这个人物就是以这位英国人为原型而创造出来的。普鲁斯特不只是人物以透纳为蓝本，连对风景的描写也受到透纳作品的影响。

透纳在一幅作品中成功地表达了他那极富独创性的朦胧和转瞬即逝的新风格。任何人站在他的画作面前，都会出乎意料地被它那刺目的光弄得头晕目眩，或有如被卷入那风景的漩涡之中，因而对他的风格赞叹不已。

透纳作画的热情极高，为了画这幅《暴风雪——汽船驶离港口》，并充分体验大海的威力，他让水手把自己捆在船桅上。他后来写道：“为了观察大海，我让水手们把我捆在船桅上。我那样过了四个小时，没指望能活下来。”然而，评论家们却对这幅画表示失望和怀疑，因为在这幅画中，形体和戏剧性的场面都消失了。透纳解释说，他画这幅画是为了告诉自己和别人，在惊涛骇浪的海上，暴风雪是什么样子。这是天地之间一种突然而剧烈的变动，为了画它，他曾经冒过生命危险。但他的解释是徒劳的。评论家们把这幅画解释为“肥皂沫和石灰水的结合”。据透纳的朋友——评论家罗斯金记载：“吃过午饭后，坐在火旁，我听到他不时自言自语道：肥皂沫和石灰水！’我问他为什么要理睬别人怎么说，他回答：肥皂沫和石灰水！他们想要什么？我真希望他们在里面待过！”

《春潮》一画上的春意具有典型的俄罗斯情调。阳春三月，稀疏的白桦林开始受到春汛的泛滥，这在寒冷的俄国，是象征着大自然万物苏醒的时日。画面上一片轻快而具有春水“音响”的多彩调子，涓涓的春水涨潮满盈了这片低地，它映照着天蓝色的苍穹，尽管寒气还未完全消除，但报春的绿芽已在树梢上首先绽露，它意味着一切生命即将苏醒。

芒特枫丹位于巴黎以北的桑利斯镇附近，柯罗曾去过那里，被那儿的美景深深打动，油画《芒特枫丹的回忆》是柯罗通过对芒特枫丹景色的回忆而创作的。油画《芒特枫丹的回忆》是柯罗的名作，是最能体现柯罗风格的作品。1889年，油画《芒特枫丹的回忆》转入卢浮宫

画面展开在湖边森林一角，晨雾初散，清新的林地与湖面的水汽构成一片湿润朦胧的自然景色，林边枝叶繁茂的大树倾向湖面，伸展着婆娑的枝条，阳光从枝叶间散落到地上，点醒了绽开的小花。一位身着红裙的姑娘正踮脚采摘小树上的蔓草花，树下的两个孩子一个在忙着收集摘下来的蔓草花，另一个正在指点着他们身后枝丫茂密的小树丛，朦胧的湖面上倒映着远山和树影，微风在这静静的湖畔轻轻掠过，我们仿佛能听到树叶的低语。树枝和草地上闪着点点银光，构成了柯罗那有名的灰绿色调，像是溢满画面的清新、恬淡的诗，给我们留下了永难忘怀的印象。这种梦幻般的情调正是柯罗风景画的引人人胜之处。

《梦》是卢梭逝世前最后一幅杰出的油画作品，创作于1910年，作品尺寸为高：204.5厘米，宽298.5厘米。可以说油画《梦》代表了亨利·卢梭的的真实风格与追求。在画面左角，卢梭将他初恋时的情人画在沙发长椅上，置身于充满梦幻的热带丛林中。在这片森林里，奇花异草郁郁苍苍，两只狮子虎视眈眈，还有隐藏在森林深处的大象和禽鸟，以及惨淡月光下吹奏长笛的黑人，营造了一种异国情调和带有神秘意味的梦幻之境。

当时有位评论家曾写信问画家为何这般构成，卢梭回答：“那是长椅上的少女梦见自己被运到热带丛林时的景象”。所以这幅画中的草木花卉、禽兽人物，乃至森林中沙发上的裸女，均是少女亚德菲加的梦中情景。画家在这幅画中所创造的奇妙而迷人的境界，正式借用梦境超脱于现实的那种神秘与荒诞，给观众造成难以言状的激动。其实画中所描绘的“热带植物”并非是出自热带，在法国到处可见，只不过卢梭将它放大并极为细致地画出，通过画中的荒诞情景去营造一种异国的、原始的气氛罢了。

托莱多是一座西班牙古城，生性孤独的格列柯曾居住在这里。这是一座美丽的城市，城市坐落在红棕色的岩石上，背衬幽静的碧空，这种景色具有一种粗犷的力量。同时，这也是一座沉静的城市。格列柯曾评价这座城市：“这真是一座奇特、自傲的城市！这是神秘和污秽、十字军的辉丽和粗鄙、诗和廉价誓言的相互矛盾的城市。”在这幅风景画中画家描绘了处于暴风雨前的托莱多，在大自然的前景中，建筑物被画得像玩具一样。画家以蓝、绿、黑组成了阴冷的色调，描绘了这座恐怖的城市，整个画面给人一种骚乱不安的凄楚萧瑟之感。此画是画家内心感受 表达，也是西班牙危机时代的真实写照。

埃尔·格列柯(1541～1614)生于希腊，卒于托莱多，是西班牙近代绘画的创始人。他从拜占廷画风开始，受过意大利人文主义的影响，接受过矫饰主义，最后走上一条与西班牙没落贵族思想相呼应的神秘主义道路。格列柯的作品主要反映了16世纪下半叶动荡的西班牙社会生活的现状和没落贵族的精神状态。他的艺术在20世纪被重新发现，引起人们的广泛关注。

油画中那随风摇晃的柏树犹如擅动的灵魂，在大地和天空之间飞舞，那是灵魂深处的呼喊，那是对生活的渴望，那是对现实的无奈和悲痛欲绝。画家梵高一直想要表达的主题，就是生命与力量。

梵高的作品总是充满压抑不住的·激动和热情，他经常运用飞舞的线条和强烈的色彩来抒发这种激情。在这幅画里道路旁的柏树就像黑色的火焰，这些卷曲着的线条相互扭结着窜向天空。柏树旁是一片金色耀眼的麦田，这是梵高最喜爱的色彩，因为它是太阳的色彩，生命的象征。梵高还用一种短促急速和旋转的线条，把天空和道路描绘成永不休止、滚滚向前的湍急河流。这些色彩和笔触表达出梵高内心的紧张和冲动，即使相当理智的人，也很难在这幅画前保持平静的心情。梵高的画并不深奥，也没有故作惊人之举，他只是用一种单纯平易的艺术语言，直抒他对自然和生命的热爱之情。正是这种亲切和真诚，使他的艺术具有经久不衰的魅力

画作《莱斯附近的海景》创作于1888年夏。现存阿姆斯特丹的梵高美术馆。

油画中苍穹的大海与孤独的小船，给欣赏着带来一种分离感。仿佛那船和大海是存在于两个不同的世界。辽阔、宁静、孤独同时存在于这幅油画中。

它灰冷的主色调，反而衬托出画家梵高那种奋不顾身的追求。

画面近2/3处于灰暗之中，远处的塔和风景极为模糊，渔人们焦急地划船往家赶，这似乎是暴风雨来临的前兆。在这沉重的画面中，只有中间农舍边的大树还处于阳光的照耀之下，它给了晚归的人们以温暖的希望。这幅画是伦勃朗晚年穷困潦倒时期的作品，画面的景物也许正是他压抑心境的写照，但我们仍可从中看到伦勃朗娴熟的技法和他对景物准确细腻的把握。

伦勃朗·凡·赖恩(1606～1669)为荷兰17世纪著名画家。早年曾在莱顿大学学习，后转学绘画，20岁左右成为独立画家。1632年迁居阿姆斯特丹，成为当时最受欢迎的画家之一。他擅长肖像、风俗、风景、历史、宗教画等，他的绘画继承卡拉瓦乔的明暗对比手法，主要利用光线塑造形体，表现空间。在技法上强调绘画形式语言本身的美感，注重肌理表现，还自创厚涂法和用笔杆颜料营造肌理的技法。